home trans bio trans works trans text trans contact
 
andreas kocks


Andreas Kocks: 'There are no in-betweens...' 
Art interview online magazine, issue #16
www.art-interview.com

 

FINAL CUT
Papierschnitt als eigenständiges künstlerisches Medium
Horst Janssen Museum, Oldenburg
published in 2014 by
Kerber Verlag, Bielefeld
88 pages, 340 x 270 cm
ISBN : 978-3-86678-943-2

 

HABSELIGKEITEN
published in 2012 by
Archäologische Staatssammlung, München
Essay by Andreas Kühne
76 pages, 210 x 280 mm

 

THE FIRST CUT
published in 2012 by
Manchester Art Gallery
Essay by Natasha Howes and Fiona Corridan
112 pages, 240 x 170 mm
ISBN 978-0-901673-82-4

 

HIGH TOUCH
published in 2012 by
Gestalten Verlag, Berlin
Essay by Anna Sinofzik
224 pages, Hardcover, 285 x 245 mm
ISBN 978-3-89955-444-1

 

STILLE ZEICHEN
published in 2012 by
Kunstverein Villa Streccius, Landau
Essay by Inge Herold
72 pages, 210 x 210 mm
ISBN 978-3-89857-282-8

 

RELIEFREDUKTIV
published in 2012 by
Künstlerverein Walkmühle, Wiesbaden
Essays by Matthias Bleyl and Christian Janecke
80 pages, 300 x 230 mm
ISBN 978-3-939855-27-9

 

AUF:BRUCH - VIER POSITIONEN ZEITGENÖSSISCHER KUNST
Departure - Four Aspects of Contemporary Art
published in 2010
by Museum Biedermann, Donaueschingen
modo Verlag Freiburg
104 pages, 285 x 248 mm
ISBN 978-3-86833-044-1






ANDREAS KOCKS: DER ORT UND SEIN GESCHEHEN
published in 2009 by
Zweckverband Dachauer Galerien und Museen
Design by Bernd Kuchenbeiser
26 pages, 265 x 330 mm
German and English
ISBN 978-3-930941-63-6






SLASH: PAPER UNDER THE KNIFE
published in 2009 by
Museum of Arts and Design, New York
5 Continents Edition, Milan
Essay by David Revere McFadden
256 pages, 206 x 256 mm
ISBN 978-88-7439-529-3







UNFOLDED
Papier in Design, Kunst, Architektur und Industrie
Petra Schmidt and Nicola Stattmann(Ed.)
published in 2009 by
Birkhäuser Verlag AG, Basel, Boston, Berlin
254 pages, 224 x 280 mm
ISBN 978-3-0346-0031-6
ISBN 978-3-0346-0032-3 (engl.)






ANDREAS KOCKS: UNFRAMED - PAPERWORKS
published November 2007 by
Jeannie Freilich Contemporary, New York
Essays by Bruce W. Ferguson and Wilhelm Warning
Design by Bernd Kuchenbeiser
112 pages, Hardcover, 33,6 x 26,4 cm
ISBN 978-0-615-14429-0






Outside of Sculpture, Outside of Drawing and Outside of Time

What kind of act is it to cut through a surface?  Potentially savage, vicious and even violent, it could also be a kind of surgery or suture – a sign of healing and reparation to come.  A cut is the way we speak of discharging someone – we cut them out or cut them deeply – a social metaphor based on a knife’s sharp line – the knife’s social sharpness  that ruthlessly stabs in the back.  But a cut is also a break, a release, a change, a sudden movement that is transformative - metamorphasizing from one state to another, the cut that stitches time and images in movies – the cut that binds by being the cut that releases and frees.  The difference that is the remove of courage. But always the edge is central, the edge of one thing and the space that inhabits the difference between two planes, two levels.  It scores, it engraves, it incises, it precises..

In contemporary art, the cut is associated primarily with the aesthetic legacy of Lucio Fontana, Italian artist and texturist par excellence (not textualist mind you).  Fontana’s constant and inventive work stabs, punctures, slices and dices in its vivid attack on the modernist picture plane (and 1949 has been called the “year of the cut”, a moment of highlighting the torn, the ripped and the deliberately pierced in painting and collage).  After Hiroshima, no surface capable of containing the poetry to conflate Adorno and the disillusioned European artists of that moment.  But, like other avant-garde methodologies and politically aware art, its lessons are, today, played out with more nuance and less severity in their positioning.

Andreas Kocks understands these lessons from recent history and enhances both their extreme physicality and their metaphoric potential.  He too cuts and marks deeply into a surface but his chosen medium is somewhat pliant, not as resistant as Fontana’s deliberately obdurate faces.  Having abandoned the weight (the gravitas) of sculpture (steel, bronze, lead, cement), Kocks took to paper, the substance which sits between staid material and full elasticity – the stuff that artists return to again and again as though it is an ur substance of alchemy whether they be post-modernists or reactionaries.  Together with the full exploration of the dimensional space in which his works reside, he carefully constructs a dialogue which is outside of outside of sculpture, outside of drawing and outside of time (or at least the historical time of style).  This set of methods of abandoning something (a medium for instance) is the cut he performs before cutting into and through the passive, almost neutral manuscript and the benign spaces it occupies..  Incising, engraving in space, layering through the peel of the skin, Kocks manufactures an explosive image.  The contradiction is observable.  A careful methodology – a caring methodology even – the slowly emerging skeins are somehow now full of energy – they give off a palpable sense of movement and direction.  They are optical maelstroms on the wall, on the ceiling, on the floor.  Sweeping broadly away from the viewer and around at the same time, the work strangely accomplishes much more than its simple techniques would seem to promise.

I think for me what is the most improbable, and thus enjoyable and provocative, is that the actual works – made of simple cut lines and graceful negative spaces in white or black – are so emotional.  They burst with a barely constrained and refined unconscious jolt. For me, Andreas Koks has somehow, in this weird and unexpected act of representation, unleashed from a history which began as resistant or even antagonistic, found a place where power can be unearthed without threat, where violence can be contemplative, where ferocious acts can be redemptive and where an image might tender the hope its process of creation offers.

text by bruce w. ferguson
trans

Art in America, September 2007
trans

Metamorphose des Raums

„Mich interessiert der Raum, als Geschehen, als Erlebnis, als sinnliche Wahrnehmung.“
So hat Andreas Kocks seine Beweggründe vor einiger Zeit  beschrieben. Es könnten die Worte eines Forschers, eines Wissenschaftlers, eines Astronomen sein. Der Künstler als Entdecker, der den Raum untersucht, indem er mit dem von ihm ausgewählten Material in den vorgefundenen, definierten Raum eingreift und ihn verändert. So, wie es Tony Cragg ausgedrückt hat: „Wir Künstler sind Entdecker, indem wir uns in das Material verlängern.“ (Tony Cragg 1999, Interview WDR Nachtkultur) Für Andreas Kocks ist dieses Material das Papier, das, wie er sagt, als Medium neutral, zeitlos und universal sei. Aber er nutzt es nicht wie ein Vehikel, ein Hilfsmittel, um etwas Unbekanntes im Raum oder gar einen unbekannten Raum zu erforschen. Er besteigt kein Schiff, tritt keine Sternenreise an, blickt nicht in die unendliche Dunkelheit des Alls. Vielmehr verwandelt er mit dem Papier das, was er vorfindet und überführt es in einen anderen Zustand. Was vorher statisch erschien, der definierte Raum, ist durch den Eingriff des Künstlers gleichsam in Bewegung geraten. Der Raum, normalerweise das schlechthin Statische, Unbewegliche, wird, wie Andreas Kocks zu recht sagt, zum Geschehen, damit zu etwas Dynamischen. Das bedeutet Bewegung und damit Zeiterfahrung.
Vorher also die  bestimmte Fläche der Wand. Flach, meist neutral weiß. Gleichmäßigkeit. Nun, auf einmal, Gewölk. Schlingerndes. Fließendes. Sich zart Entfaltendes. In den Raum Hineinwachsendes. Licht und scharfer Schatten. Tiefe. Plastizität. Manchmal auch milde, hell und wolkengleich dahinziehend. Oder explodierend, wie die große, dunkle Papier-Arbeit, die Wand-Installation „In The Beginning“: Ein Knall. Eine Explosion. Schärfe. Ungeheure Geschwindigkeit, hinausgejagt in den Raum. Grelles Zerbersten. Höchste Energieentladung, aus einem Zentrum heraus. Die Richtung offen: Birst das in den Raum oder gleicht es einem Zerschmetterwerden an der Wand? Beides lässt sich assoziieren. Man könnte aber auch sagen, es gleiche einem gigantischen Ausatmen. Aber es gibt auch weiche Formen in dieser Installation, die ein gleichzeitiges Einatmen signalisieren. Zusammenziehen und, zur gleichen Zeit, ein Auseinanderjagen: Das deutet auf eine scheinbar chaotische, weil nicht berechenbare Form hin. Voraussetzung dafür, das etwas entsteht. Denn nur aus Chaos wächst Neues. Tohuwabohu ist der hebräische Name dafür und er verweist auf „In The Beginning“, auf die Schöpfung genauso wie den Urknall.

Und doch ist diese „Unordnung“ genau berechnet, kalkuliert, hat Andreas Kocks skizziert, verworfen, erneut skizziert, übereinandergelegt, geschnitten, probiert, erneut geschnitten, feinste Schnitte, kleinste Überlagerungen, Kurvungen und Wölbungen und hat alles aufgebracht auf die Wand in einem unendlich langwierigen Prozess des Erforschens, Schaffens und Findens. Damit wird eine der vielen Widersprüchlichkeiten berührt, mit denen Andreas Kocks dem Werk seine eigentümliche Spannung gibt. Denn was für den Betrachter aussieht, als formte sich gerade Materie aus einer Explosion heraus, ist das Ergebnis eines erfahrungsgesättigten, überaus sorgfältigen künstlerischen Prozesses, dem ungezählte und immer neue Einzelentscheidungen zugrunde liegen, die Andreas Kocks zu treffen hat, bis hin zur Stärke des Papiers und dem zeichnerischen Aufbringen des Graphits, das dem Material Dunkelheit, Glanz und metallische Dichte gibt. 
Ein weiterer Widerspruch, und er ist genauso offenbar, ist die scheinbare Eruption, die wir wahrnehmen. Man erlebt rasende Geschwindigkeit, einen jähen Akt, einen plötzlichen Knall, der alles davon  zu schleudern scheint und ein Einsaugen, Hineinatmen. Und das, obwohl das Werk doch offenkundig statisch ist, ein angehaltener Augenblick, der sich nie verändert. Damit stellt sich die Frage nach der Zeit, jener Dimension, die wir nicht verstehen, sondern nur messen können, oder spüren, wie der Dichter Hugo von Hoffmansthal formuliert. Eine Erfahrung, die angesichts verschiedener Wandarbeiten von Andreas Kocks nachvollziehbar und beinahe im wörtlichen Sinn „begreifbar“ wird.
Der Raum als Geschehen, als Erlebnis und sinnliche Wahrnehmung: Das ist das Feld, das Andreas Kocks künstlerisch erforscht. Ein Feld, das er sich selber schafft. Denn der Eingriff in den Außenraum, den des Museums, der Galerie, den Raum der Betrachter und seine Veränderung geschieht, indem der Künstler einen eigenen Raum aus organischen Formen in die Architektur fast wie ein Lebewesen einbringt, ihn wie eine Intervention hineinsetzt. Er lässt diesen eigenen Raum in jeder Wandarbeit entstehen. Die ist dabei stets illusionärer und wirklicher Raum zugleich: Bildhaft zeichnet sich große Tiefe, zeichnen sich in Licht und Schatten verschiedene Ebenen ab, die doch nur millimeter- oder zentimetertief reichen oder sich nur einen Atemzug weit aus der Fläche erheben, reliefgleich ausgeschnitten oder hauchfein in das leichte, geradezu luftige Material eingeschnitzt sind. Eine fragile, unendlich vielfältige Landschaft aus vielen Überlagerungen und Verzweigungen, mäandernd zuweilen, weich oder wirbelnd, ruhig oder berstend, gebündelt oder verströmend, geballt oder ausufernd.
Andreas Kocks schafft Räume höchster Abstraktion. Er könnte die Arbeiten nummerieren, statt ihnen Titel zu geben. Und doch bleiben sie offen für Assoziationen, für individuelle Erkennbarkeiten, für den Reichtum von Gedanken und Fantasie der Betrachtenden.

Es sind Räume aus lebendigen Formen, geschaffen für meist rechtwinklig entworfene Räume, die white cubes. In ihnen können die Raumgebilde des Künstlers ihre ganze organische Dynamik entfalten, ihre Kraft.  Sie treten damit trotz und gerade wegen der Leichtigkeit und Verletzlichkeit des Materials Papier in einen spannungsvollen Dialog mit den Menschen, ihrer Welt und ihren Räumen, die sie nun verändert vorfinden. Damit können die Betrachter ihrerseits zu Entdeckern der Räume und ihrer Wechselwirkung “als Geschehen, als Erlebnis, als sinnliche Wahrnehmung“ (Andreas Kocks) werden. Das ist allerdings ausschließlich in der Zeit möglich, denn es setzt Bewegung voraus. Nur im Verändern des eigenen Standpunktes lassen sich für den Betrachter andere, neue Perspektiven wahrnehmen. Das ist Voraussetzung jedweder Entdeckung und damit Entwicklung.  
 Andreas Kocks hat das so ausgedrückt:
„Diese schrittweise Wahrnehmung entspricht meiner eigenen Vorgehensweise während der Arbeit und führt zu den Fragen, die mich am meisten interessieren: Wie verhält sich der skulpturale Raum zum Betrachter, wie verhält er sich zum architektonischen Umraum, in den er eingefügt ist.“

text by wilhelm warning
trans
AD-architectural digest 2/2008
trans